Spettacolo Danza Coreana Online – N.O.T. No One There

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Non perdete l’occasione di assistere questa sera, in diretta streaming su Youtube, ad un bellissimo spettacolo di danza coreana.

Lo spettacolo, intitolato N.O.T., acronimo di ‘No One There’ (Non c’è nessuno lì), descrive il viaggio di un’anziana ottantenne affetta da alzheimer che, tornata bambina, parte alla ricerca del padre perduto durante la guerra di Corea. Negli occhi della bambina appare un mondo fatto di conflitti tra generazioni, sessi, ideologie e famiglia. 

Spettacolo danza online – N.O.T. No One There
Data e ora : Venerdì 12 giugno 2020 ore 19.00
Luogo : in diretta streaming sul sito web o sul canale Youtube
dell’Istituto Culturale Coreano www.youtube.com/watch?v=Fb3Fd-KKKp

In asta due “Tesori Nazionali” del Kansong Museum.

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Il noto Kansong Art Museum ha deciso di vendere all’asta due preziosi manufatti buddhisti. Si tratta di due sculture classificate dallo Stato sudcoreano come “tesori nazionali”, e pertanto sottoposte a particolari tutele e vincoli. Sono il tesoro n. 284, Buddha dorato in bronzo, e il tesoro n. 285, Bodhisattva in bronzo dorato, risalenti al VI e al VII secolo.

Il Kansong Art Museum è un museo privato situato a Seoul, fondato nel 1938 dal ricco mercante Chun Hyung-pil (1906-1962), che collezionò preziose opere d’arte coreane durante l’era coloniale giapponese per impedirne il furto e tutelare le preziose eredità culturali coreane. Il museo possiede circa 5000 manufatti tra cui ben 12 classificati come “tesori nazionali”.

Il museo ha purtroppo dovuto affrontare delle difficoltà finanziarie negli ultimi anni e la vendita si è resa necessaria per la sopravvivenza dello stesso. E’ quanto dichiarato alla stampa in questi giorni dall’attuale dirigenza.

La legislazione sudcoreana, fortunatamente, vieta la vendita del patrimonio culturale di questi tipo all’estero, e pertanto i beni rimarranno in Corea del Sud. La casa d’aste selezionata per la vendita, fissata per mercoledì 27 maggio, è K-Auction.

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Visita il nostro sito K_Art, dedicato esclusivamente all’arte coreana!

Capolavori dell’arte coreana. Masterpieces of Korean art.

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“Il mercato di montagna, nebbia schiarente” – 산시청람도 (山市晴嵐圖)
Artista sconosciuto, 1500 circa
Inchiostro su seta, 115.3 x 60 cm

Nella Corea di epoca Joseon, gli studiosi, gli intellettuali, hanno sempre rivestito un ruolo di rilievo nella società. E’ per questo motivo che sono stati spesso ritratti nell’arte coreana. Qui, ne abbiamo un esempio di altissimo livello.

Questo dipinto di grandi dimensioni raffigura diversi momenti e diverse scene della vita quotidiana di uno studioso eremita e delle sue attività. Nell’angolo in basso a sinistra, lo studioso è ritratto mentre accoglie il suo ospite nel cortile. Nella sezione centrale in basso, entrambi sono mostrati mentre incontrano un altro viandante sul ponte e si scambiano dei saluti. Dopo aver attraversato il ponte, lo studioso visita un amico che vive in un complesso di più edifici. I due amici decidono di fare una breve passeggiata. Entrambi appaiono su una scogliera a terrazze, godendo di una vista sulle montagne e della fragranza di un vecchio pino trasportata dal vento. L’uomo continua il suo tragitto con i suoi due servitori, e tutti sono ritratti mentre attraversano un tortuoso ponte di legno. Proprio oltre la grande montagna rocciosa, si apre una vista panoramica su una vivace piazza del mercato, suggerendo che potrebbe essere il luogo in cui l’entourage è diretto. Forse l’erudito deve acquistare oggetti come libri, rotoli di carta e pennelli, tutti elementi essenziali per la vita accademica. Verso l’angolo in alto a sinistra, un altro gruppo di viaggiatori sta attraccando sulla riva del fiume che conduce alle porte della città; possono essere diretti allo stupa buddista a più piani incastonato sulla cima delle montagne.

L’opera è conservata al Cleveland Museum of Art.

CLICCA QUI PER VISUALIZZARE L’OPERA IN ALTA RISOLUZIONE.

“Mountain Market, Clearing Mist” – 산시청람도 (山市晴嵐圖)
Unknown artist, 1500s
Ink on silk,115.3 x 60 cm

In Joseon-era Korea, scholars and intellectuals have always played an important role in society. It is for this reason that they have often been portrayed in Korean art. Here, we have a great example.

This painting depicts several vignettes of the scholar-hermit’s various activities and daily life. In the the lower left corner, the scholar-hermit is portrayed welcoming his guest in the courtyard. In the middle section on the lower bottom, the scholar and his guest are shown encountering another traveler on the bridge and exchanging their greetings. After crossing the bridge, the scholar visits a friend who lives in a compound of multiple buildings. The two friends decide to take a short walk. Both appear in a terraced cliff, enjoying a mountain vista and the fragrance of an old pine tree carried by the gentle wind. The scholar continues his journey with his two servants. They are portrayed crossing a winding wooden bridge. Right beyond the colossal rocky mountain, a panoramic view to a bustling market place unfolds, suggesting that it may be the place where the scholar-hermit’s entourage would visit. Perhaps the scholar need to buy items such as books, rolls of papers, and brushes, all essential to scholarly life. Toward the upper left corner, another group of travelers is landing on the river bank that leads to the city gate; they may be headed to the multistoried Buddhist stupa nestled on the top of the mountains.

The painting is conserved at the Cleveland Museum of Art.

CLICK HERE TO SEE THE WORK IN HIGH RESOLUTION.

Articolo originale pubblicato su K Art.

Il video nell’arte contemporanea coreana.

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Quando e come gli artisti coreani si sono approcciati al video come medium di espressione artistica? Qual è il contesto del suo sviluppo in relazione all’arte coreana? Yi Won-Kon, teorico dei media e membro della prima generazione di videoartisti coreani, esamina 30 anni di storia della videoarte coreana dagli anni ’70 agli anni ’90 sulla base dei suoi risultati di ricerca e delle sue esperienze come parte della scena artistica di quegli anni. Dal suo punto di vista, i pionieri della videoarte coreana negli anni ’70 si sono concentrati sul video come strumento di contemplazione e creazione nel contesto dell’arte sperimentale d’avanguardia. Con l’influenza di Nam June Paik e lo sviluppo del mezzo video, gli anni ’80 portarono alla nascita di opere che esploravano la specificità media del video o combinandola con sculture e installazioni. Durante gli anni ’90, la videoarte ha subito un’espansione nella forma e nei contenuti sotto l’influenza del postmoderno occidentale. Non perdetevi questo splendido e completo articolo pubblicato sulla rivista Art in Culture (in coreano) e qui, su The Artro in inglese.

I coreani amano l’arte. Parlano i dati.

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Da 26 anni “Il Giornale dell’Arte” e “The Art Newspaper” producono un report analitico sui numeri delle principali mostre d’arte del mondo.

Dal report del 2019 emerge chiaramente come tra le mostre d’arte (a pagamento) più visitate a livello globale figurino alcune esposizioni coreane.

Nel dettaglio: la mostra più visitata al mondo è stata “Tutankhamon: tesori del Faraone d’oro” a Parigi, con 1.423.170 visitatori.

Subito dopo troviamo:

– al 2^ posto: “Choi Jeong Hwa: Blooming Matrix”, al National Museum of Modern and Contemporary Art di Seoul, con 804.871 visitatori;

– al 3^ posto: “Yun Hyong-keun”, al National Museum of Modern and Contemporary Art di Seoul, con 799.098 visitatori;

– al 4^ posto: “What Ought to be Done? Work and Life”, al National Museum of Modern and Contemporary Art di Seoul, con 736.171 visitatori.

A seguire nella classifica, tra le prime cinquanta posizioni, troviamo altre mostre coreane alle posizioni 23, 26, 27, 44.

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Nelle immagini la mostra dell’artista coreano Yun Hyong-keun, al National Museum of Modern and Contemporary Art di Seoul.

Le meraviglie del Buncheong, la ceramica tradizionale coreana.

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Il Buncheong (분청粉靑) è una tipologia di ceramica coreana tradizionale in grès che ha avuto un grande sviluppo in Corea tra il XV e il XVI secolo. Questa tipologia di ceramica scompare dopo le invasioni giapponesi alla fine del XVI secolo, a seguito delle quali gran parte della produzione viene distrutta o saccheggiata e portata in Giappone.

Il volume presenta oltre settantacinque capolavori appartenenti principalmente alle collezioni del Leeum Samsung Museum of Art, la cui collezione di ceramiche buncheong è probabilmente senza pari per qualità e ampiezza, il Metropolitan Museum e altre collezioni giapponesi.

E’ possibile scaricare gratuitamente il volume cliccando qui.

E’ una pubblicazione gratuita del Metropolitan Museum of Art.

Scarica gratis “Art of the Korean Renaissance”!

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Il volume presenta la produzione artistica coreana durante il XV e il XVI secolo. Dipinti, ceramiche, oggetti in metallo, lacche e libri stampati presenti in questa pubblicazione fanno parte delle collezioni del Metropolitan Museum of Art di New York e di altri importanti musei, istituzioni e collezioni private in Corea, Stati Uniti, Giappone ed Europa.

E’ possibile scaricare il volume cliccando qui.

E’ una pubblicazione gratuita del Metropolitan Museum of Art.

IL GESTO DELL’ORIENTE. Cinque voci dell’Avanguardia coreana

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Si inaugura il 3 marzo la mostra“Il Gesto dell’Oriente. Cinque voci dell’Avanguardia coreana”, presso la Dep Art Gallery di Milano, a cura di Gianluca Ranzi. L’esposizione, che sarà visitabile fino al 9 maggio, mette in luce la ricerca di cinque importanti artisti che hanno ridefinito e plasmato l’orizzonte dell’arte contemporanea in Corea: Chun Kwang Young, Park Seobo, Lee Bae, Lee Ufan, Kim Tschang-Yeul.

Dal nucleo di circa quindici opere, di medio e grande formato, selezionate dal curatore Gianluca Ranzi, emerge la complessa dinamica tra rinnovamento e tradizione che ha lambito quel paese in un quarantennio di profondi turbamenti e agitazioni politiche e sociali.

Kim Tschang-Yeul (nato nel 1929) è, con Lee Ufan e Park Seo-Boo, una delle figure chiave del rinnovamento che l’arte coreana intraprende tra gli anni ’50 e ’60. A contatto con esperienze quali l’Informale europeo e l’Espressionismo Astratto, Kim Tschang-Yeul matura quella personalissima cifra stilistica fatta di costellazioni pittoriche di gocce d’acqua rese con iperrealistica precisione su sfondi neutri o ricoperti di ideogrammi. Tra astrazione e figurazione la pittura diviene qui un mantra meditativo che attenua l’ego a favore di uno spazio spirituale e persino terapeutico.

Sta invece al gruppo Dansaekhwa, nato all’inizio degli anni ’70 e oggi oggetto di retrospettive nei maggiori musei internazionali, sviluppare la tendenza a un minimalismo monocromo che esalta la fisicità della pittura. Ne fa parte Park Seobo (1931) che recupera l’uso tradizionale della carta Hanji per opere dall’astrazione lineare e rigorosa da cui è espunto l’ego dell’artista a favore di un vuoto meditativo e oggettivo scandito dalle verticali a rilievo e dal gioco delle loro ombre.

Fa parte del gruppo Dansaekhwa anche Lee Ufan (1936), l’artista oggi più noto internazionalmente anche per la sua partecipazione come artista-teorico del gruppo giapponese Mono-Ha. Egli mette a punto una pittura riduzionista fatta di linee e pennellate fluide, memori della tradizione calligrafica, che nella sua opera danno luogo a risonanze e corrispondenze, dialoghi tra pieno e vuoto che interrogano non solo lo spazio dell’opera ma anche l’ambiente circostante.

Chung Kwang Young (1944) fa collidere pittura e scultura in superfici animate da miriadi di pacchettini di carta Mulberry tinta col tè o altri pigmenti naturali, un ricordo d’infanzia legato all’uso coreano di impacchettare con la carta di giornale erbe medicinali e spezie. Come recita il titolo di questi quadri, essi sono “aggregazioni” di armonia e conflitto, di natura e cultura, di ordine e caos.

Lee Bae (1956) lavora invece con silenti composizioni che declinano elegantemente tutte le possibilità cromatiche del nero, ottenuto attraverso sottilissimi strati di carboncino o di lamelle di legno combusto. La combustione e l’effetto del fuoco alludono qui alla metamorfosi di tutte le cose e alla considerazione, comune a tutti gli artisti in mostra, dello spazio pittorico come un evento soggetto all’azione del tempo e quindi aperto anche alla quarta dimensione.

Completa la mostra un catalogo bilingue, italiano ed inglese, con un testo critico di Gianluca Ranzi.

Dep Art Gallery – Via Comelico n. 40, Milano
Da martedì a sabato 10.30 – 19.0

Yee Sookyung al MADRE e al Museo Capodimonte di Napoli con “Whisper Only to You”

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Fino al 13 gennaio 2020 presso le sedi del MADRE e del Museo di Capodimonte di Napoli è possibile visitare la mostra dell’artista coreana Yee Sookyung “Whisper Only to You”.
Yee Sookyung è un’artista visiva la cui pratica include l’utilizzo di diversi media, tra cui video-installazione e pittura, con una predilezione per la scultura. Il progetto si articola in due percorsi espositivi complementari, al Madre e al Museo di Capodimonte.

Le Sale Facciata del Madre ospitano opere della produzione multimediale e multi-materica dell’artista. In “Whisper Only to You” (2019), la video-installazione che dà il titolo alla mostra, la voce fuoricampo dell’artista sussurra una storia senza fine, mentre le immagini mostrano i dettagli di un disegno in rosso cinabro intitolato “Flame. Thousand Leaves” (2018), un paravento pieghevole affiancato dalla radice di un albero e dalla sua copia realizzata con una stampante in 3D. Lo scorrere del tempo è cristallizzato nella vecchia radice, la cui energia naturale è rivitalizzata dal suo doppio scultoreo, in un processo di rigenerazione che, coniugando gli opposti e le differenze, tende all’immortalità. Le diverse tonalità di bianco della seta che riveste il paravento simboleggiano la miriade di foglie che nascono e muoiono nel corso della vita di un albero, in un ciclo di morte e rinascita in cui le sfumature alludono ai vari stati dell’anima.
“Bari” (2019), scultura stampata in 3D a partire da un disegno dell’artista, raffigura la Principessa Bari (“Abbandonata”) che, nella mitologia coreana, è considerata l’antenata delle sciamane. Il gruppo di sculture della serie “Moonlight Crown” (2018-in corso), qui esposte in anteprima assoluta, trae ispirazione da una frase dello scrittore americano Isaac Bashevis Singer: “se la verità esiste, è intricata e nascosta come una corona di piume”. In ognuna di esse una corona sorregge una sfera densamente decorata, sulla quale poggia un elemento cuspidale. Sono incorporati simboli ubiquitari, come angeli, mani in preghiera, draghi: emblemi sacri e contestualizzati, disposti in modo tale da costruire una struttura organica, svelando i legami nascosti tra passato e presente, mito e storia. L’acrilico su tela “Past Life Regression Painting_Saint, Making a Crystal Ball with the Impurity of the World” (2015) trae spunto da un’esperienza di ipnosi regressiva, grazie alla quale l’artista ha cercato di far riemergere le tracce di precedenti vite impresse nel suo subconscio. Completa il percorso espositivo al Madre un’opera della serie Translated Vase, per la quale Yee Sookyung è conosciuta a livello internazionale.
Il progetto, inaugurato nel 2002 e tutt’ora in corso, consiste nella creazione di sculture ed installazioni ottenute assemblando cocci, schegge e frammenti di porcellana. Creando narrazioni anche solo possibili a partire dall’esistente, l’artista restituisce dignità alla vulnerabilità dell’oggetto e del vissuto del singolo, fra dato di fatto e ipotesi, storia e narrazione. La frammentarietà dell’esperienza e il tentativo di recuperarla si traducono nel ripristino del vaso frantumato attraverso la saldatura, come dello strato di coscienza attraverso l’analisi.

La mostra al Madre prosegue al Museo e Real Bosco di Capodimonte con quattro opere inedite della serie “Translated Vase”, realizzate dall’artista utilizzando sia frammenti della pregiata porcellana bianca coreana Moon Jar che scarti della produzione settecentesca della Real Fabbrica di Capodimonte: simbolo della congiunzione tra la tradizione culturale campana e quella del paese d’origine dell’artista, incontro fra le culture dell’Occidente e quelle dell’Oriente che la mostra intende celebrare, quale possibile primo capitolo di una storia al contempo passata e a venire.

Ha Chong Hyun alla Cardi Gallery di Milano

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Fino al 20 dicembre 2019 è possibile visitare presso la Cardi Gallery di Milano (Corso di Porta Nuova n. 38) la mostra personale del celebre artista coreano Ha Chong Hyun.

Per l’esposizione sono state selezionate 16 opere della serie “Conjunction”, realizzate tra il 1972 e il 2019.

Ha Chong Hyun è uno degli artisti coreani più apprezzati sia nel suo paese che all’estero, ed è una delle figure principali del noto movimento artistico coreano “Dansaekhwa” (ovvero “Pittura Monocromatica”), movimento che sta riscuotendo grande successo internazionale negli ultimi anni sia a livello di critica che di mercato, con valori di vendita cresciuti esponenzialmente.

Ha Chong Hyun ha sviluppato la sua idea artistica dagli anni ‘60 esplorando il potenziale espressivo di materiali non convenzionali quali carta di giornale, rottami di legno e filo spinato applicati sulla tela, il tutto combinando le migliori tradizioni pittoriche orientali ed occidentali.

Negli anni ‘70 l’artista comincia a lavorare alla serie “Conjunction” concentrandosi sulla matericità del colore e sul potenziale espressivo della tela vista non solo come semplice supporto ma come parte attiva dell’opera. In questa serie di lavori l’artista utilizza strumenti per pressare e spingere il colore a olio, rigorosamente monocromo, dal retro della tela grezza di canapa fino a farlo filtrare attraverso la superficie. Successivamente l’artista stende la vernice sul fronte della tela con la spatola o il pennello.

Ha Chong Hyun, insieme agli altri artisti del movimento “Dansaekhwa”, come Lee Ufan, Park Seo Bo, Kwon Young Woo, Yun Hyong Keun e Chung Sang Hwa, ha ridefinito in maniera rivoluzionaria l’arte contemporanea coreana. Con il loro modo di stendere la vernice, le loro tele imbevute, la carta strappata e i materiali manipolati, questi artisti hanno eliminato il confine che fino ad allora divideva l’arte coreana tra pittura ad olio e pittura ad inchiostro, tra pittura e scultura.

La Corea al MIA Photo Fair.

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La Corea sarà ospite d’onore al MIA Photo Fair, la fiera internazionale di fotografia contemporanea che si svolgerà a Milano dal 22 al 25 marzo presso “The Mall”.

Focus Korea “Postmodern – short stories” è il titolo del progetto espositivo che offrirà ai visitatori del MIA Photo Fair una visione dello stato attuale della fotografia contemporanea coreana.
Il progetto, ideato dal Consolato Generale della Repubblica di Corea a Milano, realizzato grazie al finanziamento della Korea Foundation, e curato da Christine Enrile, è nato con l’obiettivo di promuovere il talento di giovani artisti e per condividere l’attuale realtà dell’arte contemporanea coreana con il pubblico italiano e non solo.

Le opere esposte sono state selezionate attraverso un concorso rivolto ad artisti coreani emergenti con un comune denominatore ovvero quello di provenire da paesi europei. La giuria, formata da professionisti del settore, ha operato tenendo conto della contemporaneità, dell’originalità, della ricerca linguistica e dell’efficacia comunicativa espressa da ogni opera decretando vincitori Gihoon Kim, Shinwook Kim, Minhee Ahn, Dohyeon Eom, Cho Daso e assegnando una menzione speciale a Moon Choi.

Mostra ARCOI – KoreArt. Segni dell’esistenza

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Il 22 marzo 2019 alle ore 19,00 si inaugura a Roma, presso la sede dell’Istituto Culturale Coreano, la mostra dell’associazione artistica ARCOI, dal titolo “KoreArt – Segni dell’Esistenza”.

Verranno presentate circa trenta opere di 22 artisti coreani in attività sul territorio italiano. Attraverso questa mostra gli artisti raccontano i “Segni dell’Esistenza”. L’artista di qualunque epoca si ritrova sempre a fare i conti con l’identità e il significato della vita. L’identità sentita come individuo ed essere umano, o ancora identità intesa come identità artistica di un artista. All’artista attraverso l’identità che assume la propria opera nel contesto artistico vengono poste svariate domande che lo portano ad una profonda introspezione esistenziale. Queste infinite domande si inseguono all’interno e all’esterno dell’artista.
In questo circolo infinito di domande l’artista trova il valore della propria essenza che esprime attraverso la sua opera. L’opera non è che l’esteriorizzazione del percorso di avvicinamento all’identità essenziale dell’artista. Questo percorso può essere per esempio un’introspezione dell’essere umano e della natura per la formazione del proprio mondo interiore o della propria spiritualità o ancora l’espressione di un umanismo satirico di derivazione filosofico-naturalistica. La serie di opere esposte sono i segni e l’espressione dell’evoluzione del pensiero e dell’identità dei vari artisti.
Dentro le opere ci sono le storie degli artisti che provano anche crisi di identità vivendo da coreani all’estero. Ma allo stesso è un’occasione potendo conoscere persone e culture differenti con nuove fonti d’ispirazione. Il risultato è la possibilità di vivere la vita e i segni esistenziali di diversi artisti di età e pensiero differente.
Si tratta di una mostra speciale che spazia su diverse discipline: si avrà la possibilità di ammirare la scultura, la pittura occidentale, la pittura orientale, il patchwork, la ceramica, le installazioni, l’objet, la fotografia in una sola mostra.

Goryeo: The Glory of Korea.

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La dinastia Goryeo (918-1392), da cui deriva il nome “Corea”, ebbe inizio nella penisola coreana esattamente 1100 anni fa.

Fondato da Taejo Wang Geon (태조 왕건, 太祖 王建), il Regno di Goryeo ebbe un atteggiamento aperto nei confronti del mondo esterno, dimostrato dalla nomina di stranieri per posti governativi di alto rango e dall’accoglienza dei rifugiati dal caduto Regno di Balhae (698-926). L’antico regno coreano ebbe intensi scambi culturali con la Cina, il Giappone e il medio oriente dando vita ad una cultura e a un arte molto sofisticata ed elegante.

Per celebrare il 1100° anniversario della fondazione di Goryeo, il Museo Nazionale della Corea ha organizzato la mostra dal titolo “Goryeo: the Glory of Korea”, aperta fino al 3 marzo 2019 presso la sede principale del Museo a Seoul. Sarà possibile ammirare circa 450 pezzi provenienti non solo dalla Corea ma anche da Stati Uniti, Regno Unito, Italia e Giappone.

La mostra si suddivide in quattro sezioni. La prima mette in risalto l’artigianato della capitale di Goryeo, Gaegyeong. Oggetti come il “Glass Ewer” importati dalla penisola arabica e trovati in una tomba di Goryeo, e oggetti in lacca con madreperla rappresentano l’arte colorata della corte reale dell’epoca.

La seconda parte vanta una preziosa collezione di oggetti legati alla cultura buddista, la religione ufficiale di Goryeo. Include copie manoscritte di scritture buddiste; un disegno trecentesco del Buddha Amitabha e il Tripitaka Koreana, il canone buddhista superstite più antico del mondo, scritto in Hanja (caratteri cinesi).

La terza parte mostra oggetti legati allla cultura del tè come le ciotole di celadon, i cucchiai d’argento e le macine delle case del tè, parte integrante della vita di Goryeo. La quarta parte, infine, si concentra sui sofisticati disegni trovati nelle opere scritte di Goryeo.

La “Bottiglia a forma di zucca in argento dorato” (al centro nella locandina qui sopra) è un  punto culminante della mostra grazie all’esclusiva tecnica di intaglio utilizzata per creare delicati motivi sui manufatti in argento dorato, all’epoca molto popolari.

Per maggiori informazioni sulla mostra cliccare qui. 

KoreAround, mostra collettiva di artisti coreani a Carrara.

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KoreAround è un progetto collettivo in cui sono coinvolti 13 artisti coreani; la particolarità di questo evento sarà la possibilità di visitare la mostra in più sedi del centro storico di Carrara e ammirare più di 50 opere di scultura e pittura, di artisti coreani. Le sedi selezionate per l’evento sono tutte situate nel centro storico nei seguenti punti: 1) Mic Art Gallery in via Nuova 23 ang. via S. Maria; 2) Via S.Maria, 10A; 3) Piazza Alberica, 1A e 8B.

 

L’arte “Minhwa” alla Fondazione Matalon di Milano.

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Si inaugura il 12 luglio 2018, alle ore 18,30, presso la Fondazione Matalon di Milano, Foro Buonaparte n. 67, la mostra sull’arte “Minhwa”, pittura tradizionale e popolare coreana.
L’arte Minhwa, fin dalle origini, ha rappresentato nella pittura coreana animali e figure della mitologia popolare, scene di vita quotidiana e simboli di felicità e benessere. Un tempo, i suoi artisti si spostavano di città in città seguendo eventi religiosi e manifestazioni locali, e realizzando lavori su ordinazione commissionati da nobili o persone comuni. Il triste evento storico della Guerra di Corea (1950-1953) ha decretato il declino di questa tradizione che ha avuto una rinascita solo a partire dagli anni ottanta del secolo scorso. Grande merito nella ripresa dell’arte Minhwa va all’associazione Korean Folk Painting, la più grande in ambito artistico di tutta la Corea. Nasce nel 1995 per unire e rappresentare gli artisti che intendono proseguire e riproporre in chiave contemporanea il genere Minhwa, dando vita ad un vero e proprio movimento.

 

“Su Muk”, l’arte della pittura coreana a inchiostro in mostra a Milano.

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Si inaugura il 3 luglio 2018, alle ore 18,30, e proseguirà fino al 10 luglio, la mostra collettiva di “Su Muk” (inchiostro asiatico), presso la Fondazione Luciana Matalon di Milano. La mostra, curata da Michela Ongaretti, rientra negli appuntamenti della Korean Wunderkammer 2018, il festival dedicato all’arte coreana che si svolge da alcuni anni a Milano nei mesi di giugno e luglio.

Settanta artisti coreani anno portato negli spazi espositivi della Fondazione Matalon le antiche tecniche e i saperi della pittura a inchiostro coreana. Per le opere esposte sono stati utilizzati gli strumenti della calligrafia tradizionale per poi avvicinare illustrazione e pittura in un unico genere. La tecnica del “Su Muk” trasforma in acquerello il nero profondo dell’inchiostro secondo concentrazioni diversificate. Servono anni di pratica per perfezionare il movimento del pennello e il flusso di inchiostro, calibrando la tonalità e l’ombreggiatura ottenute variando la densità dell’inchiostro, sia mediante una macinazione e levigatura dello stick di inchiostro in acqua, sia a seconda della pressione della pennellata. Sin dai tempi antichi l’ombreggiatura è una tecnica così raffinata da riuscire a rendere variazioni nella tonalità sorprendenti, dal nero intenso al grigio argenteo. La stessa millenaria tecnica oggi viene associata ad altri colori per una resa delicata o decisa, influenzati da quella filosofia per cui non si riproduce semplicemente un soggetto ma si cattura il suo spirito.

La tigre nell’arte coreana.

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La tigre è un elemento che appare frequentemente nella mitologia, nelle fiabe e nelle tradizioni popolari della Corea. E’ anche un tema molto ricorrente nella pittura, nella scultura e nell’artigianato.
Le prime raffigurazioni della tigre in Corea risalgono all’età del bronzo (reperti archeologici nella zona di Ulsan). L’immagine del felino appare in seguito sulle pareti delle tombe di Goguryeo (37 AC-668 DC), all’esterno delle tombe reali di Silla (676-935) e in molti reperti di epoca Goryeo (918-1392). Tuttavia, le maggiori testimonianze artistiche oggi conservate risalgono alla più recente dinastia Joseon (1392-1897), e si tratta in particolare di dipinti su carta.
Figura protettrice e di congiunzione fra il mondo dei vivi e l’aldilà, ritroviamo dunque la tigre dipinta sulle pareti delle antiche tombe reali e scolpita sui sarcofaghi di pietra.
È importante sottolineare, inoltre, come la tigre sia stata sempre venerata come una delle quattro divinità protettrici del paese nelle quattro direzioni: il drago blu a est, la tigre bianca a ovest, l’uccello vermiglio a sud e la tartaruga nera a nord.
La prospettiva coreana della tigre si trasforma durante la dinastia Joseon. La rappresentazione si fa più realistica e la tigre appare in molti dipinti sul Capodanno come talismano per respingere le forze maligne. Una tigre dall’aspetto feroce viene in questo periodo spesso associata al potente drago, mentre una rappresentazione comica appare tipicamente con le gazze, portatrici di buone notizie. La tigre è stata variamente ritratta nell’arte coreana in quanto percepita come qualcosa di più di un semplice trofeo di caccia o di un feroce predatore. Essa è stata venerata come una divinità che controlla il destino umano e custodisce lo spazio e il tempo, e in quanto tale considerato un essere soprannaturale dalla forte carica spirituale. Simbolo di buona fortuna, di coraggio e di potere.

Scarica gratis la rivista del Museo Nazionale coreano!

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Puoi scaricare gratuitamente l’ultimo numero della rivista trimestrale edita dal Museo Nazionale della Corea, pubblicazione dedicata all’arte coreana. In questo numero interessanti articoli sulla rappresentazione della tigre nella pittura coreana e sui vasi Celadon di epoca Goryeo e Joseon.

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